La gran aventura de Pee Wee (Pee Wee's big adventure 1985)

La gran aventura de Pee Wee (Pee Wee’s big adventure 1985)

Argumento

Pee-Wee Herman, un extraño hombre que se comporta como un niño, vive en una casa loquísima, llena de juguetes y aparatos muy particulares. Su bicicleta es su posesión más preciada en el mundo y se niega a venderla a su vecino y enemigo Francis Buxton. Después de visitar un negocio en su pueblo, encuentra que su bicicleta es robada, lo que hace que Pee Wee se ponga en campaña para investigar quien se la llevó. Se dirige a la casa de Francis, pero dice que él no la robó. En su desesperación Pee-Wee consulta con a una clarividente que lo estafa diciéndole que la bicicleta está escondida en el sótano de El Álamo en Texas. Pee-Wee comienza su viaje, pidiendo que lo lleven, es acompañado por un hombre llamado Mickey, un fugitivo de la ley. Mickey abandona a Pee-Wee cuando, por un descuido, casi sufren un accidente en la carretera.

Pee-Wee hace dedo y es llevado por una siniestra conductora de un camión llamada La Gran Marge, en una estación de servicio de T-Rex descubre que ella es un fantasma. En el bar conoce a Simone, una camarera simpática que sueña con ir a París. Su enorme novio Andy piensa que Pee-Wee y Simone son amantes. Furioso persigue a Pee-Wee, quien logra escaparse y se refugia en un vagón de tren en marcha, se desmaya y sueña que el T-Rex del bar se devora la bicicleta. Finalmente llega a San Antonio, donde se encuentra el Álamo y resulta que no hay sótanos, dándose cuenta de que todo su viaje fue en vano.

Entonces, va a una parada de autobús para volver a casa. Pee-Wee es perseguido aun por Andy. Por una mala interpretación de la persecución, Pee-Wee termina ganando el récord mundial de cabalgamiento de toro, mientras que Andy es perseguido por un toro. Más tarde Pee-Wee entra en una discusión con una banda de motociclistas, al echar sus motocicletas. Por el temor de ser asesinado por ellos, Pee-Wee baila "Tequila" (famosa música popular americana), y se gana el respeto de los motociclistas. Éstos le dan una moto a Pee-Wee pero se accidenta y acaba en el hospital, aquí tiene otro sueño siniestro donde ve a su bicicleta siendo torturada por los payasos médicos infernales. En la televisión descubre que su bicicleta está en manos de Kevin Morton, un niño malcriado quien dice estar participando en una película con su bicicleta a la vista.

Pee-Wee se recupera y entra infiltrado dentro de la Warner Brothers Studios en Burbank, California, y se encuentra en el set en el que Kevin está. Se disfraza des ninja para infiltrarse y recuperar su bicicleta. En una escena loca de persecución, se escapa del personal de seguridad del Warner Bros. A través de varios set. Varios actores y extras, como un Santa Claus y un hombre con un traje de Godzilla, son vistos durante la persecución. Usando los aparatos especiales de su bicicleta, Pee-Wee logra evadir a los guardias y escapar del estudio. Pee Wee se escapa felizmente en su bici, pero descubre una tienda de mascotas incendiándose. Heroicamente salva a todos los animales (incluidas las serpientes), y se desmaya en la puerta, cuando los bomberos y la policía llegan. Mientras los paramédicos tienen la intención de despertarlo, un bombero está hablando con un policía diciendo que Pee-Wee es un héroe. La policía, sin embargo, no escucha y arrestan a Pee-Wee.

Pee-Wee es finalmente liberado y llevado a Warner Bros, que le ofrece a comprar los derechos de autor de su historia, a cambio de una indemnización. Pee-Wee acepta la propuesta. La película termina con Pee-Wee viéndose en el estreno de su película en un auto cinema, encontrándose con los amigos que hizo durante su aventura.

Datos curiosos

El éxito de Pee-Wee Herman en sus apariciones en TV, y en un especial de la cadena HBO, impulsó Warner Bros a contratar a Paul Reubens para escribir un guión para una película, Pee-Wee Herman película. Idea original de Reubens era hacer un remake de Pollyanna con Pee-Wee Herman en el papel de Hayley Mills. A mitad de camino del desarrollo del guión, Reubens notó que todo el mundo en la Warner Brothers tenía una bicicleta para moverse por los estudios, y por lo que pidió una bicicleta para él y se inspiró en su bicicleta para desarrollar el guión. Este fue el primer guión de película que escribió.

Habiendo dejado Disney y con Frankenweenie recibiendo críticas positivas, Tim Burton estaba buscando dirigir una película. Cuando Reubens y los productores de Pee-Wee vieron la obra de Burton Vicent y Frankenweenie , decidieron contratar a Burton para su película.] Burton sintió una conexión con la personalidad Reubens y el humor de la Pee-Wee Herman. Después de contratar a Burton para dirigir, Reubens, Phil Hartman y Michael Varhol volvieron a trabajar en el nuevo guión.

Burton y Reubens tenían tensiones con los ejecutivos de Warner Bros sobre el plan de rodaje debido a sus múltiples locaciones. Burton contrató a su compañero de CalArts, Rick Heinrichs para las escenas de animación de  stop-motion.

Este fue también el debut en películas de Danny Elfman, el cual era un músico sin mucho éxito en el circuito comercial y quien era muy amigo de Tim Burton, hoy por hoy, es uno de los músicos de películas activo, más recomidos, en especial por su música de presentación de la serie Los Simpson.

En la película se ve a Pee Wee, por primera y única vez diciendo groserías: "No quiero otra moto de mierda". Sí, mierda se considera una mala palabra por algunas personas.

Hay una foto de Elvira, quien es interpretado por Cassandra Peterson, en la entrada principal de la tienda de magia. Durante la escena de bar de motociclistas, la mamá del motorista es interpretada por Cassandra Peterson.

Opinión

Esta película es un clásico de culto, es rarísima, divertidísima, y súper entretenida, el personaje de Pee Wee, es uno de los personajes más locos que he visto en pantalla, la de un niño en el cuerpo de un adulto, sin explicar el porqué, sino mostrando cosas de adultos en los ojos de un niño.Las situaciones inverosímiles que le suceden a Pee Wee superan todo, siendo el debut de Paul Reubens, de Tim Burton y Danny Elfman, realmente muestran todo el potencial de los tres.

El guión es fácil de seguir, y por más increíble que parezca todo lo que sucede en pantalla, es mucho de mundo real mezclado con las fantasías de Pee Wee y en ese contexto no es ni estúpido, ni aburrido, al contrario es divertidísimo.

Las actuaciones son muy buenas, en especial por supuesto la de Paul Reubens, su personaje, se volvió legendario, Pee Wee, tuvo luego una serie para niños en la cadena CBS, la cual duró años y era un verdadero favorito del público, en cierta forma, era un escudo para Paul Reubens y por años, hacía sus entrevistas vestido de Pee Wee, hablando como Pee Wee, respondía a lo Pee Wee, y no se dejaba fotografiar si no era como Pee Wee.

Lastimosamente para la carrera de Reubens, tuvo un incidente donde fue arrestado por estar masturbándose en un cine para adultos en el 91, lo que marcó su carrera, en especial por tener tanto contacto con niños. Tuvo varias apariciones en películas, posteriores al evento como en Blow, Batman Returns, Buffy the Vampire Slayer, pero nunca fue igual.

A partir de aquí la carrera de Burton y Elfman por otro lado, despegaron, y son ambos íconos en Hollywood, teniendo trayectorias impresionantes.

La película recibió buenas críticas en su momento, para algunos, la película era demasiado extraña, pero buena, y a nivel de taquilla fue bastante exitosa ganando casi 6 veces lo invertido por la Warner en recaudación de taquilla.

Algo que me encanta de esta película son los increíbles efectos especiales, con muchas colaboraciones pero en especial importancia por parte de Stephen Chiodo y Rick Heinrichs, son increíbles, nada de CGI, todo animación y efectos a la antigua. Dignos de la fantasía de la mente de un niño como Pee Wee.

Si nunca la viste, te la recomiendo, es una película para todas las edades, la disfrutan niños y grandes por igual, y es de muy buena calidad, por ahí te puede parecer muy loca, y te aseguro que nunca viste algo como esto.

Si ya la viste, bueno solo el hecho de ver a Pee Wee, escuchar esa música de Danny Elfman y ver los efectos en pantalla y las súper aventuras de Pee Wee, son motivos suficientes para verla de vuelta.

Ficha Técnica

-Director: Tim Burton

-Productores: Richard Gilbert Abramson/Robert Shapiro

-Guión: Paul Reubens/Phil Hartman/Michael Vanhol

-Música: Danny Elfman

-Fotografía: Victor J. Kemper

-Editor: Billy Weber

-Productora: Aspen Film Society

-Distribución: Warner Bros

-Género: Comedia/Aventura

-Duración: 90 minutos

-Presupuesto: US$ 7.000.000

-Recaudación: US$ 40.900.000

-Reparto

 Paul Reubens (Pee-wee Herman)

·         Elizabeth Daily (Dottie)

·         Mark Holton (Francis Buxton)

·         Diane Salinger (Simone)

·         Judd Omen (Mickey Morelli)

·         Alice Nunn (Gran Marge)

·         Phil Hartman (Reportero)

·         Jon Harris (Andy)

·         Carmen Filpi (Vagabundo Jack)

·         Jan Hooks (Tina)

·         Jason Hervey (Kevin Morton)

·         Tony Bill (Terry Hawthorne, un ejecutive de Warner Bros.)

·         Cleve Hall (Godzilla)

África Mía (Out of Africa 1985)

Africa Mía (Out of Africa 1985)

Argumento

Esta historia comienza en 1913 en Dinamarca, cuando Karen Dinesen (una mujer rica, pero soltera) le pide a su amigo el barón Bror Blixen (Klaus Maria Brandauer) que se case con ella en un matrimonio de conveniencia. Aunque Bror es miembro de la aristocracia, está con dificultades financieras; por lo tanto, acuerdan el matrimonio, y planean mudarse a África para comenzar una granja lechera.

Al mudarse a la África Oriental Británica, Karen se casa Bror en una breve ceremonia, convirtiéndose así en la baronesa Blixen. Ella conoce y se hace amiga de varios otros residentes coloniales del país, la mayoría de los cuales son británicos. También conoce a Denys Finch Hatton (Robert Redford), un cazador local con quien desarrolla una estrecha amistad.

Las cosas resultan diferentes a sus expectativas, ya que Bror gastó el dinero de Karen comprando una plantación de café en lugar de una granja lechera. También muestra poca inclinación a trabajar en la plantación, prefiriendo ir a cazar. Aunque el suyo era un matrimonio de conveniencia, Karen sí  llega a desarrollar sentimientos por Bror, y se angustia al enterarse de sus aventuras extramaritales. Para empeorar las cosas, Karen contrae sífilis de su marido mujeriego (en ese momento, no había antibióticos y los tratamientos eran cruentos y poco eficaces) y se ve obligada a regresar a Dinamarca por un período largo y difícil para recibir su  tratamiento usando la entonces nueva medicina Salvarsan . Bror se compromete en atender la plantación en su ausencia.

Al recuperarse, Karen, vuelve a África, la Primera Guerra Mundial está llegando a su fin. Sin embargo, queda claro que su matrimonio con el Bror mujeriego no ha cambiado, y, finalmente, ella le pide que se vaya de la casa. Al no poder tener hijos propios, debido a los efectos de la sífilis, ella decide abrir una escuela para enseñar lectura, escritura, aritmética, y también algunas costumbres europeas a los niños de las tribus africanas de la zona. 

Su plantación de café se encuentra con dificultades financieras, y se ve obligada a recurrir a préstamos bancarios. Su amistad con Denys Finch Hatton va creciendo con el tiempo.

Lo que comienza como una aventura amorosa, se convierta en una relación duradera, Karen se da cuenta de que Denys es tan imposible de domesticar como los animales salvajes que caza. A pesar de que se muda a la casa de Karen, critica su deseo de poseer cosas "propias"; incluyendo a las personas. Se niega al compromiso de matrimonio o a renunciar a su estilo de vida libre y le dice que no va a amarla más por una "hoja de papel". Karen sigue de mala gana en la relación, sabiendo que nunca va a ser una relación oficial. Él decide invitarla a uno de sus safaris, junto con otra amiga, lo que supera la capacidad de Karen a tolerar sus justificaciones para su estilo de vida y comportamiento. Karen le pide que se mude. 

La plantación finalmente produce una buena cosecha, por fin, hasta que un devastador incendio estalla en el cobertizo de procesamiento, y los cultivos y todo el equipo de la fábrica son destruidos.

Ahora quebrada financieramente, con su relación con Denys también quebrada, Karen se prepara para dejar África y regresar a Dinamarca, convertida en otra persona al igual que la África Oriental Británica donde una vez llegó se está convirtiendo en la Colonia de Kenia. 

Ella se encarga de vender todo lo que posee y se vacía la casa de todos sus artículos de lujo para una venta de artículos usados ​​. En la casa vacía, Denys la visita, y los dos disfrutan de bebida y baile. Él le pregunta si podía llevarla a Mombasa en su biplano para comenzar su viaje a casa. Ella acepta y él se compromete a volver al cabo de unos días. Sin embargo, Denys nunca regresa, y Karen se entera que el avión de Denys se  estrella y muere. Karen asiste al funeral en las colinas de Ngong . Con Denys ido, Farah, el mayordomo de Karen, la lleva a la estación de tren para ir a Mombasa.

Datos curiosos

La película está basada en el libro autobiográfico Memorias de África, de la escritora danesa Karen Blixen, el libro Isak Dinesen: The Life of a Story Teller (Isak Dinesen era el pseudónimo utilizado por Karen Blixen), de Judith Thurman, y el libro Silence Will Speak, de Errol Trzebinski. El guion fue adaptado por Kurt Luedtke a partir del libro y de otras obras de Blixen, en especial Sombras en la hierba.

Esta película tuvo 11 nominaciones a los premios Oscar, por las categorías de: mejor película, mejor director, mejor guión adaptado, mejor banda sonora, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor edición de sonido, mejor actriz principal, mejor actor de reparto, mejor diseño de vestuario, mejor edición.

Ganó en premios como: Mejor película, Mejor director (Sydney Pollack), Mejor adaptación de guión (Kurt Luedtke), Mejor banda sonora (John Barry), Mejor fotografía (David Watkin), Mejor dirección artística (Stephen Grimes/ Josie MacAvin), Mejor edición de sonido (Chris Jenkins, Gary Alexander, Larry Stensvold, Peter Handford).

La película fue filmada con descendientes de la tribu Kikuyu, quienes son nombradas en el libro, cerca de la colina Ngong a las afueras de Nairobi, pero no se usó la segunda casa de Karen "Mbagathi" (ahora museo Karen Blixen). La filmación se realizó en su primera casa "Mbogani", cerca el museo, la cual era una lechería.  Una parte sustancial de la película se realizó en esa casa estilo escocesa, la cual era utilizada en esa época, con una recreación de Nairobi de 1910. Las escenas de Dinamarca fueron realizadas en Surrey, Inglaterra.

Opinión

Esta película, es muy buena, tiene muchos elementos que la hacen única, es una súper producción de Universal para la época, grandes nombres, grande historia, grandes actuaciones y se tiraron la casa por la ventana. Como les salió la jugada? Excelente, Pollack se convirtió en director de los pesos pesados en Hollywood, Robert Redford y Meryl Streep se convirtieron en Mega estrellas de Hollywood y Universal se llevó 7 Oscars a casa.

De todas maneras, esta no creo que sea una película para todos, primero porque es muy larga, dura casi 3 horas, y es algo lenta, por lo que a los que les cuesta sentarse a ver una película, no se las recomiendo. Hay errores de continuidad con la filmación, pero como la historia es atrapante pasan casi desapercibidos.

El guión brillante, la historia es muy buena, y el tener el rótulo de estar “Basada en hechos reales”, hace que sea más cautivante aun, aunque la adaptación del guión no es de un solo libro.

Las actuaciones impecables, Robert Redford, Meryl Streep y Klaus Maria Brandauer, tienen un performance impecable, la química de los tres es genial, uno realmente siente a los personajes interpretados en esta película.

Lo mejor de la película para mí, es la fotografía, los planos panorámicos en anamorphic, en especial los planos aéreos de los paisajes de África, son soñados, realmente muestran esa naturaleza única y belleza extraordinaria del continente.

La música de John Barry, sencillamente genial, es realmente emotiva, y acompaña con su orquesta las emociones de la película, aunque se ganó el Oscar ese año, creo que es una de las bandas sonoras menos apreciadas en el tiempo. Y es realmente bellísima.

Esta película increíblemente tuvo críticas bastante mixtas, a pesar de ganarse las 7 estatuillas, pero para el público sin dudas fue un suceso en pantalla recaudando más de 4 veces lo invertido. Ese año 85, además cabe recalcar que había películas muy buenas contra las cuales competir, como: Volver al Futuro (Back to the future), Los Goonies (The Goonies), El club de los cinco (The breakfast club),  Leyenda (Legend), Rocky IV, Commando, El color púrpura (The color purple), Mad Max, más alla de la cúpula de trueno (Mad Max, beyond the thunderdome), La gran aventura de Pee Wee (Pee wee’s big adventure), Cocoon, Rambo II.

Si nunca viste esta película, y estas buscando una super película para el día de los enamorados, esta es recomendadisima. Tiene de todo, y es altamente recomendada. Esta super producción es garantía de calidad.

Si ya la viste, el hecho de volver a ver esas escenas de África con la música de John Barry, son motivos más que suficientes para engancharte de vuelta con este peliculón.

Ficha técnica

-Director: Sydney Pollack

-Productores: Sydney Pollack/Kim Jorgensen

-Guión: Kurt Luedtke

-Música: John Barry

-Fotografía: David Watkin

-Edición: Pembroke Herring/ Sheldon Kahn/Frederic Steinkamp/William Steinkamp

-Género: Aventuras/Drama/Romántico

-Duración: 161 minutos

-Productora: Mirage Entertainment/Universal Pictures

-Distribución: Universal Pictures

-Presupuesto: US$ 28.000.000

-Recaudación: US$ 128.500.000

-Protagonistas:

·         Robert Redford (Denys Finch Hatton)

·         Meryl Streep (Karen Blixen)

·         Klaus Maria Brandauer (Bror Blixen/Hans Blixen)

·         Michael Kitchen (Berkeley Cole)

·         Shane Rimmer (Belknap)

·         Malick Bowens (Farah)

·         Joseph Thiaka(Kamante)

·         Stephen Kinyanjui (Jefe Kinanjui)

·         Michael Gough (Lord Delamere)

·         Suzanna Hamilton (Felicity)

·         Rachel Kempson (Lady Belfield)

·         Graham Crowden (Lord Belfield)

Viernes 13 (Friday the 13th 1980)

Viernes 13 (Friday the 13th 1980)

Argumento

La historia comienza en el año 1958, en el Campamento Crystal Lake donde un par de campistas, Barry y Claudette, se alejan de sus amigos y van a un establo donde empiezan a tener relaciones sexuales mientras una persona misteriosa entra por sorpresa al establo, los encuentra y los asesina a ambos.

El campamento se cierra luego de estos sucesos, pasan varios años, y en 1979 se empieza a trabajar en la re apertura del Campamento Crystal Lake. Un joven, llamado Steve Christy, compra el campamento y contrata a otros muchachos (Marcie, Jack, Ned, Brenda, Alice y Bill) quienes primeramente trabajan en arreglar el campamento, el cual ha sufrido los achaques del tiempo, para poder después habilitarlo para campistas donde se desempeñarían como consejeros de campamento.

Todos los jóvenes buscan pasarla bien, más de uno con un interés romántico, buscando tener sexo y divertirse en ese lugar durante el verano. Durante una tormenta que acecha durante la noche al campamento, conocen a una señora, que hace llamarse Señora Voorhees, quien fuera la cocinera, en la etapa anterior del campamento.

La señora Voorhees le cuenta la historia de su hijo, Jason, quien murió. ahogado en el lago, y habla sobre el asesinato de los campistas un año después y responsabiliza de todo a los consejeros irresponsables que no estuvieron atendiendo a su hijo y los otros niños por tener relaciones sexuales.

Uno a uno los jóvenes son asesinados brutalmente por una persona misteriosa, hasta que la última de las sobrevivientes, Alice, conoce la identidad de la asesina, la señora Voorhees, quien asesina a todos en un brote psicótico, para vengar la muerte de su hijo Jason y evitar que otros niños corran con su suerte con la reapertura del campamento.

Finalmente Alice toma un machete y decapita a la señora Voorhees cortándole la cabeza. Alice después de matar a la señora Voorhees, se sube a un bote y cae rendida de sueño en el mismo, despertándose en el plácido lago sobre su bote, Alice ve a la policía desde el lago a lo lejos y de la nada, un niño deforme sale de las aguas y la agarra del cuello haciendo que caiga del bote. Alice despierta en un hospital, y pregunta por Jason, el hijo de la señora Voorhees,. El policía le dice que no había ningún niño, a lo que Alice dice: "Entonces el aún está ahí”.

Datos curiosos

Sean Cunningham y Wes Craven eran íntimos amigos y trabajaron en los 70, juntos en la película The last house on the left (1972), posteriormente Cunningham trabajó  en películas familiares, sin mucho éxito y vieron que Halloween (1978), fue un verdadero éxito financiero, de taquilla y de la crítica.

Así que Cunningham, se juntó con Víctor Miller en 1979 y empezaron a promocionar solo el nombre FRIDAY THE 13TH, con campañas publicitarias sin ni siquiera tener un guión, solo la promocionaban como “La película más aterradora de todos los tiempos”.

Posteriormente analizaron los elementos que eran los fundamentales a la hora de hacer una película de terror: Que sea sobre un grupo de adolescentes que no puedan recibir ayuda de adultos, que haya sexo, que haya un/a asesino/a sicótico/a suelto y que se descubra al final su identidad . Y utilizaron al elemento del bosque como entorno ideal.

Betsy Palmer, la actriz que encarnó a la Señora Voorhees, fue una estrella de TV e hizo la película solo porque quería comprar un auto nuevo y era un trabajo relativamente fácil, para ella era una vergüenza estar involucrada en un proyecto como ese, ya que para ella era pura basura, y mucho tiempo renegó de la película.

Toda la filmación fue hecha en un mes, en un campamento llamado NOBESCO, en New Jersey, donde casi no tuvieron que tocar nada para realizar la película.

En taquilla tuvo una excelente aceptación y ganó muy buen dinero, de una inversión de US$ 550.000, redituó US$ 60.000.000 en taquilla, pero por encima de eso disparó a toda una franquicia que sigue produciendo películas hasta ahora.

Opinión

Esta película es un verdadero clásico, muchos de los clichés de las películas de terror tipo slasher, que hoy damos como elementos fundamentales y repetitivos de todas las películas de este género, se iniciaron con esta película.

El guión y la historia son bien directas, y parece una típica historia de terror de campamentos, por eso probablemente funcionó y funciona tan bien en el tiempo, porque muchos niños y jóvenes pueden identificarse con ir al campo o a acampar y escuchar la historia del loco o loca que acecha ese lugar.

La música de Manfredini, es icónica, el que escucha el famoso CHI CHI CHI CHA CHA CHA, sabe que Jason está cerca, además es utilizada en forma brillante para aumentar la tensión durante la construcción del drama en las escenas.

Esta película es también el nacimiento de trabajo y de estrellato de Tom Savini, con efectos especiales impresionantes, con muy poco hizo mucho, y para el tiempo y presupuesto que tuvo, uno puede seguir diciendo que sus efectos se siguen viendo muy reales con el paso del tiempo.

La actuación no es nada espectacular, ni tampoco desentona, el personaje de la señora Voorhees es súper interesante, y también falta desarrollo de su personaje.

Si nunca viste esta película, es algo que si o si tenés que ver, porque la historia del legendario Campamento Crystal Lake se inicia con esta película. Vas a ver que no hay rastro de la famosa mascara de hockey que hizo icónico a Jason Voorhees.

SI ya la viste es bueno volver a lo clásico, volver a ver ese cine simple, efectivo, basado en una historia con la que podemos identificarnos, y no estar solo pendientes de súper efectos especiales.

Así que la próxima vez que vayas a acampar o estés en el campo, guardá todos los machetes por si JASON esté cerca CHI CHI CHI CHA CHA CHA!

Ficha técnica

-Director: Sean S. Cunningham

-Productor: Sean S. Cunningham

-Guión: Víctor Miller

-Música: Harry Manfredini

-Fotografía: Barry ABRAMS

-Edición: Bill Freda

-Género: Terror/suspenso

-Duración: 95 minutos

-Productora: Paramount Pictures/Sean S. Cunningham Films/Georgetown productions Inc.

-Distribución: Paramount Pictures/Warner Bros.

-Presupuesto: US$ 550.000

-Recaudación: US$ 60.000.000

-Reparto

·         Betsy Palmer (Pamela Voorhees)

·         Adrienne King (Alice Hardy)

·         Harry Crosby (Bill Adams)

·         Laurie Bartram (Brenda Parks)

·         Jeannine Taylor (Marcie Stanler)

·         Kevin Bacon (Jack Marand)

·         Mark Nelson (Ned Rubenstein)

·         Robbi Morgan (Annie Phillips)

·         Peter Brouwer (Steve Christy)

·         Rex Everhart (Enos)

·         Sally Anne Golden (Sandy)

·         Ronn Carroll (Sargento Tienney)

·         Ron Millkie (Oficial Dorf)

·         Walt Gorney (Loco Ralph)

·         Willie Adams (Barry)

·         Debra S. Hayes (Claudette)

·         Ari Lehman (Jason Voorhees)

Cannon films: ¿Uno de los motivos por los que las películas son tan malas hoy en día?

Cannon films: ¿Uno de los motivos por los que las películas son tan malas hoy en día?

En estos días estuve viendo un documental, el cual les recomiendo sin son cinéfilos, llamado “Electric Boogaloo: The Wild, Untold Story of Cannon Films”, el cual relata la historia de la compañía Cannon Films y su forma de hacer películas.

Esta compañía empieza como una compañía pequeña en 1969, fundada por Dennis Friedland y Chris Dewey, la empresa tuvo pequeños éxitos a nivel de críticos y a los 10 años de su fundación, se vio con problemas financieros por lo que deciden abrirse a la posibilidad de vender su empresa.

La empresa consiguió compradores, dos empresarios israelíes, los primos Menahem Golan y Yoram Globus por $500,000. Ambos estuvieron trabajando en cine en Israel, con éxito a nivel local, pero con la ambición de llegar a Hollywood, la mecca del cine. Su sueño, el de triunfar comercialmente como cinematógrafos. Menahem era director de cine, y el hombre de la visión artística de la empresa. Yoram era el cerebro financiero de la empresa y el que diseño una estrategia de negocios nunca vista antes en el mundo del cine.

Su forma de hacer películas inicialmente era el de básicamente copiar ideas que eran actuales y buenas en otras películas y hacerlas de bajísimo presupuesto. El resultado películas horribles, de pésima calidad. De 10 o 15 películas, tal vez una o dos resultaban rentables, pero esas financiaban al resto.

Una de las formas que tenían para tener un cierto tipo de notoriedad a la hora de ofrecer sus películas era mediante contratos por varias películas con algunos nombres reconocidos. Como el de Charles Bronson, ya en el ocaso de su carrera, y el de Chuck Norris, quien quería salir del estereotipo que llevaba de ser solo un actor de artes marciales. Cannon le ofreció ser una estrella de acción. Otra figura que vino un poco después fue la de Jean Claude Van Damme, el cual era casi un desconocido, solo habiendo tenido experiencia como extra y en pequeños roles, y Cannon lo utilizo por su versatilidad atlética para las películas de acción y artes marciales.

Siempre la formula era: Concepto utilizado exitosamente en otras películas (ya sea zombies, artes marciales, acción, posesión demoniaca,o personajes copiados o la combinación de muchos de estos elementos), escenas eróticas y explosiones múltiples. Lo de tener un guión bueno, actuaciones buenas era puro relleno para Cannon.

Menahen tenía una frase célebre “Jamás haría una película de 30 millones de dólares, prefiero hacer 30 películas de 1 millón de dólares”, y cumplían esta premisa a rajatabla. A tal punto que cuando las grandes corporaciones como MGM, Universal, Disney, lanzaban a lo sumo 6-8 producciones por año, Cannon lanzaba 50, hasta 60 películas por año.

Yoram, al ser el genio financiero, recurría a múltiples estrategias,para vender los derechos de distribución de las películas. Una muy notable, era la de hacer fiestas fastuosas en los festivales de cine para encontrarse con agentes de distribución regionales independientes y vender sus películas. ¿Importaba saber el idioma? Absolutamente no, lo que hacían era hacer el poster de una película con la figura de Chuck Norris, o Charles Bronson e inventar la historia en ese momento, sobre de que trataría la película y vender el concepto de que sería su nueva súper producción, esto se hacía sin ningún guión en estudio, sin ninguna fecha de lanzamiento, o ni si quiera fecha de inicio de filmación. Entonces con la premisa de que si uno estaba interesado en esa “nueva súper producción”, el distribuidor tenía que comprar los derechos de distribución de otras 10 o más películas de peor calidad, era un trato de paquete, todo o nada, tómalo o déjalo.

También se adelantaron a los tiempos realizando cálculos aproximados de proyecciones de recaudaciones por película, a veces profundamente erradas, pero esta fórmula es utilizada hoy por hoy.

A tal punto llegó su entrevero a la hora de realizar múltiples producciones sin control que las legendarias películas de Chuck Norris Missing in Action (Desaparecido en acción) 1 y 2 fueron filmadas al mismo tiempo con directores diferentes. Al ir al proceso del edición vieron que la 2 quedó mejor que la primera película, plagio burdo de Rambo 2, por lo que se lanzó primero la segunda película, y al lanzarse meses después la que originalmente fue la primera película simplemente la usaron como una pre cuela, por eso el título de MISSING IN ACTION 2: THE BEGGINING (Desaparecido en acción 2; el inicio)

Cannon llegó a su cúspide, y el gigante realizaba múltiples producciones alrededor del mundo a la vez. Esto les obligo a los primos a ir a los caminos que siempre dijeron que evitarían, el de hacer súper producciones para seguir alimentando al gigante. Así salió una de las últimas películas de Christopher Reeve, SUPERMAN 4, la olvidada de la serie.  Otra súper producción fue OVER THE TOP con Silvester Stallone, donde se embolsó con 15 millones de dólares, cuando generalmente cobraba menos de la mitad, y pidió esa cifra pensando que Cannon no iba llegar, para no trabajar con ellos. Otra fue la película de HE-MAN; Masters of the Universe, donde sobre la marcha tuvieron que cortar gastos porque ya se veían en aprietos financieros serios. Estas súper producciones fueron la debacle de Cannon, y así como se construyeron las pirámides en pocos años, volvieron al polvo en nada de tiempo.

Esto terminó en la inclusión de otros inversionistas, y la posterior separación de los primos, cada uno teniendo su propia productora de películas, y copiándose entre sí hasta las ideas, en su momento por ejemplo haciendo 2 películas sobre el baile de la Lambada "LAMBADA" de Cannon, y Menahen lanzo "THE FORBIDDEN DANCE: LAMBADA", al mismo tiempo, con misma fecha de estreno en las mismas salas.

El legado Cannon films, va más allá de sus películas de baja calidad, hizo ver que el negocio de las películas puede hacer caer en nada de tiempo a los mega estudios y corporaciones. Mucho en relación, a la baja calidad de las películas de hoy se debe a eso, si no tiene una proyección sobre los réditos económicos, sencillamente las películas no se hacen, las decisiones son corporativas, en base a ganancias. Los directores tienen cero control artístico y por eso vemos más y más ideas recalentadas con más CGI (Computer Generated Images), y de vez en cuando salta una producción en circuitos de cine independiente que pueden ser interesantes, pero nada de eso por parte de los estudios tradicionales.

Algunos de los títulos de Cannon Films son:

·         Enter the ninja (1981)

·         Death Wish II (1982)

·         Hospital Massacre (1982)

·         Hercules (1983)

·         Revenge of the ninja (1983)

·         Bolero (1984)

·         Exterminator 2 (1984)

·         Ninja III: The domination (1984)

·         Missing in Action (1984)

·         Breakin’ 2: Electric Boogaloo

·         Missing in Action 2: The beginning (1985)

·         Invasion USA (1985)

·         The adventures of Hercules (1985)

·         Death Wish 3 (1985)

·         King Solomon’s mines (1985)

·         Delta Force (1986)

·         America 3000 (1986)

·         Cobra (1986)

·         Robotech: The movie (1986)

·         Texas Chainsaw Massacre 2 (1986)

·         Otello (1986)

·         Over the Top (1987)

·         Street Smart (1987)

·         American Ninja 2: The confrontation (1987)

·         Superman IV: Quest for Peace (1987)

·          Heman: Masters of the Universe (1987)

·         Death Wish 4: The Crackdown (1987)

·         Braddock: Missing in Action III (1988)

·         American Ninja 3: Blood Hunt

·         Cyborg (1989)

·         Kickboxer (1989)

·         Rockula (1990)

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El Mago de Oz (Wizard of Oz 1939)

El mago de Oz (Wizard of Oz 1939)

Argumento

La película comienza en Kansas en el año 1900. Dorothy vive con su perro Toto en la granja de sus tíos Emm y Henry. Dorothy y Toto se meten en problemas con una vecina,  la señorita  Gulch, cuando Toto la muerde. La familia de Dorothy y los peones están demasiados ocupados para prestar atención a la Srta Gulch, quien quiere matar a Toto. Dorothy decide huir de la casa con Toto y así poder librarse de su malvada vecina. Dorothy visita al Profesor Maravilla, un adivino falso, quien le dice. que sabe que se ha escapado y que a través de su bola de cristal ve que su tía está enferma y le dice a Dorothy que vuelva a casa. Ella vuelve a casa, mientras que un tornado empieza a acercarse. Van al sótano para esconderse de la tormenta, pero finalmente Dorothy busca la seguridad en su dormitorio. Un ojal de la ventana golpea su cabeza por el viento y cae inconsciente en su cama.

Dorothy se despierta para encontrar un desastre alrededor  por el tornado. Observa fuera de la ventana a una anciana en una silla, varios animales de granja, dos hombres remando un bote, y a su vecina pedaleando su bicicleta,  quien posteriormente se transforma en una bruja volando sobre una escoba.

Luego Glinda, la Bruja Buena del Norte, y los Munchkins, seres que viven en su pueblo Munchkinland, le dan la bienvenida a Dorothy como una heroína porque su casa ha aterrizado sobre la Malvada Bruja del Oriente matándola, dejando sólo sus pies expuestos. Su hermana, la Malvada Bruja del Oeste, llega para reclamar las zapatillas de rubí mágicas las cuales estaban en los pies de su hermana. Glinda los transfiere a los pies de Dorothy. La Bruja del Oeste jura vengarse de Dorothy y Toto por la muerte de su hermana. Glinda le dice a Dorothy que siga el camino de ladrillos dorados, que la llevaran a la Ciudad Esmeralda, donde el Mago de Oz podría ser capaz de ayudarla a volver a casa.

En su camino a la Ciudad Esmeralda, Dorothy conoce y se hace amiga del Espantapájaros, que quiere un cerebro, el Hombre de Hojalata que desea un corazón y el León Cobarde, que  necesita valor. Dorothy los invita a acompañarla a la Ciudad Esmeralda . Después del encuentro con la bruja, que intenta disuadirlos de su destino, finalmente llegan a la Ciudad Esmeralda. En el interior, tras ser rechazado inicialmente, se les permite ver al mago (que aparece ante ellos en forma de una cabeza grande rodeado por fuego) éste se compromete a conceder sus deseos cuando le traigan la escoba de la malvada bruja de Oeste.

Camino al castillo de la bruja, el grupo pasa a través del bosque, mientras que la bruja ve su progreso a través de una bola de cristal. La bruja, envía a sus monos voladores para emboscarlos y capturan a Dorothy y Toto. En el castillo, la bruja no puede conseguir sacarle las zapatillas de Dorothy debido a una barrera mágica, recordando que Dorothy primero debe morir. Toto escapa y conduce a sus amigos al castillo. Después de derrotar a tres guardias Winkie y robar sus uniformes, entran dentro del castillo e intentan liberar a Dorothy, pero la bruja y sus guardias los atrapan. La bruja le prende fuego al Espantapájaros y Dorothy le hecha un balde de agua a las llamas; la bruja, también es salpicada por el agua y se derrite. Los guardias se regocijan al ver que está muerta y le dan a Dorothy la escoba en agradecimiento.

De vuelta en la Ciudad Esmeralda, el mago les concede sus deseos dandole al Espantapájaros un diploma, al león una medalla, y al Hombre de Hojalata un reloj en forma de corazón, lo suficiente para convencerlos de que lo que buscaban se había conseguido. Posteriormente, se prepara para llevar a Dorothy a casa en su globo de aire caliente, pero Toto persigue a un gato, Dorothy baja del globo y el Mago de Oz, incapaz de controlar el globo parte sin ellos. Glinda, la bruja buena, llega y le dice a Dorothy que puede volver a casa tocando los talones entre si tres veces y repitiendo: "No hay lugar como el hogar" con las zapatillas de rubi. Después de despedirse de sus amigos, Dorothy regresa a su casa, se despierta sobre su cama rodeado de su familia, los peones, el profesor  y Toto.

Datos curiosos

Esta película fue la respuesta de MGM, a Disney, que había tenido un brutal éxito con Blancanieves y los siete enanitos. Esto hizo que MGM, primero se fijara en los cuentos de niños como material para éxitos de taquilla y por otro lado hizo que rompiera todos los esquemas al filmar y proyectar esta película a color en 1939. Tal vez, casi obligados, porque la película de animación de Disney fue proyectada a colores.

El guión fue escrito, y re escrito muchas veces, principalmente, porque la parte de fantasía de la película generaba muchas dudas en el estudio. Obras de fantasía anteriores habían fracasado, y hubo adaptaciones menos mágicas inicialmente y al final se dejo todo como si hubiese sido un sueño de Dorothy para que la parte de fantasia sea más creible. Por otro lado, había adaptaciones de dialogo por los musicales, y muchas escenas fueron añadidas y suprimidas durante la filmación e inclusive al terminar la filmacion.

Para el casting de la actriz principal hubo otras candidatas, a parte de Gartland, como Shirley Temple y Deanna Durbin, pero finalmente Judy Gartland se quedó con el papel.

Buddy Ebsen, el hombre de hojalata original, tuvo que ser reemplazado, luego de haber presentado una reacción alérgica severa al maquillaje de polvo de aluminio, su reemplazante Jack Haley, no supo la historia de la reacción alérgica de Ebsen, sino hasta después, y asumía que éste fue despedido por otros motivos.

Margaret Hamilton, la bruja del Oeste sufrió serias quemaduras en una escena al dramatizar su salida con humo, el cual se encendió por su vestuario y la quemó  severamente. Posterior a este incidente se negó a hacer escenas similares co efectos especiales.

Para los actores no fue una filmación sencilla, tenían que llegar a las 4 o 5 de la mañana para empezar a maquillarse, no podían comer sólidos con el maquillaje puesto y sólo tenían permitido consumir líquidos y las escenas con luz natural hacían pasarlo mal con el maquillaje, el calor y sudor.

Con respecto a los directores, hubo varios cambios durante el camino, y muchos problemas con la visión artística que cada uno aportaba a la obra, haciendo que al final haya varias, re tomas adicionales que duraron meses luego de concluida la filmación original.

La duración original de la película era de más de dos horas, y después de varías proyecciones iniciales, al ver las reacciones del público LeRoy decidió acortar la película a tres cuartas partes de su duración original. En promedio en esa época las películas duraban 90 minutos.

Hubo varias diferencias con la novela original, pero una que marca a la película con su toque distintivo es el de las zapatillas de rubí, las cuales en la novela original eran de plata. Probablemente para que resalte el color rojo en esta novel proyección en colores.

Recibió 6 nominaciones al Oscar incluyendo nominaciones las categorías de: Mejor canción, Mejor música original, Mejor película, Mejor dirección artística, Mejor Fotografía, Mejores efectos especiales. De estas nominaciones ganó Mejor canción y mejor música original. Judy Gartland ganó un premio a mejor desempeño juvenil por parte de la academia pero no es oficialmente un Oscar como mejor actriz.

También existe una leyenda en la cual se habla de que uno de los Munchkins se suicida, ahorcandose en una de las escenas en las que Dorothy y sus amigos cruzan el bosque, y muchos inclusive hablan de una “maldición” de la película por todos sus incidentes durante la elaboración del film.

Opinión

Esta es una película que tiene más de 70 años, y muchos piensan que es más nueva, de los 50 o 60, pero es de los 30… Tiene una fuerza incomparable, y probablemente es la mejor película no animada para adolescentes de todos los tiempos. No diría de niños porque creo que hay varias escenas que podrían asustar a niños pequeños.

Tiene muchos elementos con los cuales podemos identificarnos, y esa universalidad de la historia la hace tan poderosa. Como para muchos niños, el hogar es el universo que conocen, como pasa con Dorothy y la forma en que ven los problemas de los adultos y como se sienten ignorados por los adultos, ante sus propios problemas.

Los tres amigos de Dorothy, son una metáfora a inseguridades que muchos niños y adultos tienen, y de cómo se enfrentan a esos miedos. También la moraleja final de que a pesar de todos los problemas que podamos tener “No hay lugar como el hogar”.

Otra metáfora muy interesante es la de los tonos de colores utilizados, todas las tomas de Kansas, son hechas con color Sepia, y las de Oz a colores. La música en Kansas era lenta y melancólica y en Oz más animada.

Esta fue una súper producción en su época, e inicialmente no le fue bien en taquilla, perdió cerca de 1.500.000 US$, pero con sus re exposiciones en cine, logró tener buena rentabilidad. El principal problema fueron los costos de producción y las innumerables dificultades, retrasos y cambios de último minuto.

Sin CGI(Computer Generated Images), no creo que ningún estudio hoy se animaría a encarar un proyecto de este porte. Ni que haya tanta gente comprometida con su arte, para generar algo de tanta calidad.

La fotografía rompió todos los esquemas en su época con los colores y su utilización en pantalla. Los planos de Judy Gartland son geniales.

La música, es probablemente, la parte más fuerte y “Over the rainbow” es sin dudas, una de las músicas más reconocibles del cine de todos los tiempos.

Judy Gartland se hizo una leyenda de Hollywood con esta película, no solo por su actuación sino por su voz y performance. No hay, ni va a haber otra Judy Gartland. No hay, ni hubo en los últimos 70 años, una chica de 17 años, como ella tan completa en el plato.

Increíblemente mucha gente, escucho acerca de esta película, sabe más o menos la trama y conoce “Over the Rainbow”, pero nunca vio la película, y se las recomiendo. El paso del tiempo no afecta su calidad estética, ni artística y la van a disfrutar mucho, inclusive si no les gustan los musicales.

Para el que ya la vio, sabe acerca de su magia, su encanto y su poder en pantalla, y no hace falta que agregue nada más para invitarles a que la vean una vez más. Ver esto y ver luego MINI ESPIAS, con sus hijos, les va a hacer pensar de como ambas pueden estar en la misma categoría de películas de fantasía para niños.

Ficha técnica

-Directores: Victor Fleming/Mervyn LeRoy/Richard Thorpe/King Vidor

-Productores: Mervyn LeRoy/Arthur Freed

-Guión: Noel Langley/Florence Ryerson/Edgar Allan Woolf/L. Frank Baum

-Música: Herbert Stothart/Harold Arlen/E.Y. Harburg

-Fotografia: Harold Rosson

-Edición: Blanche Sewell

-Género: Musical/Fantasía

-Duración: 101 minutos

-Distribución: Metro-Goldwyn-Mayer

-Presupuesto: US$ 2.777.000

-Recaudación: US$ 16.500.000

-Reparto

·         Judy Garland (Dorothy)

·         Ray Bolger (Hunk, el espantapájaros)

·         Jack Haley (Hickory, el hombre de hojalata)

·         Bert Lahr (Zeke, el león cobarde)

·         Frank Morgan (Mago de Oz/Profesor Marvel)

·         Clara Blandick (Tia Emm)

·         Charley Grapewin (Tío Henry)

·         Billie Burke (Glinda, la bruja buena del norte)

·         Margaret Hamilton (La bruja malvada del Oeste)

Vertigo (Vértigo 1958)

Vértigo (Vértigo 1958)

Argumento

Esta película trata sobre un detective, John “Scottie” Ferguson, quien después de una persecución en una azotea, ve cuando muere un policía colega, y desarrolla acrofobia (miedo a las alturas) y vértigo, por lo que tiene que retirarse de la policía. Scottie intenta conquistar su miedo, con ayuda de su amiga y ex prometida Midge Madera, quien sugiere otro shock emocional fuerte como única cura.

Ya retirado, un conocido de la universidad, Gavin Elster, le  pide a Scottie que siga a su esposa, Madeleine, diciéndole que cree que ella se encuentra poseída. Scottie acepta a regañadientes, y sigue Madeleine: a una floristería, donde compra un ramo de flores; a la tumba de Carlotta Valdés, en la Misión Dolores ; a un museo de arte, en la que mira Retrato de Carlotta , a quien se parece. Por último, ella entra en el Hotel McKittrick, pero Scottie ya no la encuentra ahí dentro.

Un historiador local explica que Carlotta Valdés trágicamente se suicidó. Gavin revela que Carlotta (quien piensa es el espíritu que posee a Madeleine) es la bisabuela de Madeleine, aunque Madeleine no tiene conocimiento de esto, y no recuerda haberla visitado. Scottie sigue a Madeleine a Fort Point, donde salta en la bahía de San Francisco y es rescatada por Scottie.

Al día siguiente Scottie sigue Madeleine; se juntan y pasan el día juntos. Viajan a Muir Woods y Cypress Point, donde Madeleine corre hacia el océano. Scottie la agarra y se abrazan. Scottie identifica el lugar de la pesadilla de Madeleine como la Misión de San Juan Bautista. Él la lleva allí donde se confiesan su amor. Madeleine corre de repente a la iglesia y sube al campanario. Scottie, se detuvo al ir subiendo, por su vértigo, y ve a Madeleine cayendo, donde muere.

La muerte se declara un suicidio. Gavin no recrimina a Scottie, pero Scottie se quiebra y se deprime al punto de ir a una clínica, quedando casi en un estado catatónico. Después del alta, Scottie frecuenta los lugares que visitó Madeleine, a menudo imaginando que ella lo observa. Un día, ve a una mujer que le recuerda a Madeleine, a pesar de tener una apariencia física diferente. Scottie la sigue y la mujer se identifica como Judy Barton.

Judy hace una retrospectiva para sí, y confiesa que la persona a quien Scottie conocía como "Madeleine Elster"; era ella y se hacía pasar por la esposa de Gavin, como parte de un complot de asesinato. Judy le escribe a Scottie explicándole sobre su participación en el asesinato de la esposa de Gavin, quien había elegido a Scottie adrede tomando como ventaja su problema de  acrofobia sustituyendo el cuerpo recientemente muerto de su esposa en el aparente "salto suicida". Judy rasga la carta y decide continuar con la farsa, porque se siente atraída a Scottie.

Ambos empiezan una relación, pero Scottie sigue obsesionado con "Madeleine" y le pide a Judy que use ropa y peluca para que se parezca a Madeleine. Judy cumple el deseo de Scottie, con la esperanza de que finalmente puedan encontrar la felicidad juntos, y se da cuenta de que está usando el mismo collar del retrato de Carlotta, y ahí salta la verdad. Él insiste en volver  a la Misión.

Allí, él le dice que debe volver a representar el evento que lo llevó a la locura, admitiendo que ahora entiende que "Madeleine" y Judy son la misma persona. Scottie la obliga a ir a la torre del campanario y la hace admitir su engaño. Scottie llega a la cima, conquistando su acrofobia. Judy confiesa que Gavin le pagó para hacerse pasar por la Madeleine "poseída"; Gavin armó el “suicidio” lanzando el cuerpo de su mujer desde el campanario, para evitar ser implicado en el asesinato.

Judy le ruega Scottie que la perdone, por su amor. Él La abraza, pero inesperadamente una monja abre la puerta de la torre del campanario, asustando a Judy, que da un paso hacia atrás y cae a su muriendo. Scottie, solo de nuevo, se encuentra en la cornisa, mientras que la monja horrorizada toca la campana de la misión.

Datos curiosos

El guión es una adaptación de la novela francesa La vida y la muerte (D’entre les morts) de Pierre Boileau y Thomas Narcejac, luego de varios manuscritos de adaptación por diferentes autores, Hitchcock se decidió por el guión de Samuel A. Taylor, quien era de la zona de San Francisco.

Kim Novak no fue la primera elección de Hitchcock. Madelaine originalmente iba a ser interpretada por Vera Miles, quien tenía un contrato particular con Hitchcock, pero al haber retrasos en el rodaje, inicialmente por problemas de salud de Hitchcock, Vera Miles quedó embarazada en ese interin, y Hitchcock se negó a retrasar más el rodaje por lo que Novak fue elegida para el papel.

Un final alternativo fue filmado para la película, el cual fue finalmente descartado, donde se muestra a Midge y Scottie escuchando un informe de radio donde se habla de la búsqueda de Gavin Elster en Europa y posteriormente Midge cambia el dial de la radio, ambos comparten una copa y miran a la ventana en silencio.

Esta película es considerada para muchos la mejor película de todos los tiempos, en el 2012, tuvo esta distinción por parte de Sight & Sound, del Instituto británico del cine, en el 89, fue considerada como “patrimonio histórico, cultural” de la biblioteca del congreso de los EEUU y seleccionada para su preservación en el registro nacional de cine del mismo país.

Muchos de los puntos donde fue filmada Vértigo, son hoy en San Francisco puntos turísticos obligatorios para los fans del cine, con excursiones que hacen el tour por las diferentes locaciones.

Opinión

Para mi esta película, junto a Psycho, también de Hitchcok, y Citizen Kane de Orson Wells, son las tres mejores películas de todos los tiempos. En esta película, al igual que en las otras dos, la protagonista es la historia, la trama misma. Ésta es atrapante, diferente, totalmente original y al mismo tiempo entendible, seguible, sin aburrirnos, ni decirnos “estos se parece a….”, este tipo de películas no se hacen más y es una verdadera lástima.

El nombre de James Stuart, es uno de los nombres más grandes de la historia de Hollywood por esta película principalmente, la actuación de todos es genial, la de Stuart tal vez destaca más pero puede que solo sea por su mayor tiempo en pantalla.

La fotografía es sin dudas uno de sus puntos más altos, aquí se empezó a usar el método "Dolly-out / zoom-in" donde la cámara en movimiento se aleja del sujeto u objeto filmado, mientras que el zoom se aleja simultáneamente y así se logró enfatizar la altura y la desorientación de Scottie en la escena de la torre.  Otra escena legendaria por sus efectos de fotografía es la escena de la pesadilla de Scottie, la cual fue diseñada por el artista John Ferren.

La música de Bernard Hermann, es genial, da ese sentido cíclico, ese patrón de cadencia secuencial, el cual es el motivo de la película.

Esta es una película sobre la obsesión. Scottie, está obsesionado por el amor que sintió por una mujer que nunca existió, estaba enamorado con la personificación de la esposa de Gavin, cuando ella murió, solo aumentó su obsesión, aferrándose a su idea al punto de transformar a otra mujer, en la idea de perfección que él tenía. Con la confesión de Judy, a pesar de ser real, de ser tangible, el no de dejó de amar a su obsesión. Por lo que su idea de ideal de mujer, era más fuerte que una mujer real. También Gavin, tiene una historia de obsesión, obsesión con el dinero, al punto de asesinar a su mujer y realizar un elaborado plan, involucrando a Judy y a Scottie, para salirse con la suya.

Esta película en un principio tuvo una recepción mixta.  Muchos en la época la consideraban lenta, de igual manera fue bastante bien acogida generado, una buena ganancia, generando casi 7 veces más de lo invertido. Con el tiempo fue ganando más y más adeptos y nuevas críticas fueron generando mucha mayor aceptación de la misma.

En su época solo tuvo dos nominaciones a los premios Oscar, una por mejor dirección artística y decorados, y otra por mejor sonido, sin ganar ninguna de las dos nominaciones. Para muchos es una película muy personal de Hitchcock, el hombre de las rubias, un misógino consuetudinario, mostrando su obsesión con las mismas y su control sobre ellas (como hacen Scottie y Gavin con Judy).

Las personas que no son muy fanáticas del cine, probablemente nunca vieron este clásico, así que es más que recomendada verla. Como les decía es una película centrada en la historia, y su trama, así que el paso del tiempo no afecta la calidad de la película, y se las recomiendo enfáticamente.

Si ya la viste, sabes bien que es una obra de altísima calidad, y por lo tanto, verla de vuelta es simplemente un placer.

Es una verdadera pena, que hoy que tenemos tantos canales de TV, ninguno la pase, o que  películas de esta calidad, que son verdaderos patrimonios de la humanidad, simplemente se olviden. No hay que tenerle miedo a esta película. Muchos por ahí piensan que es muy sofisticada, o cosas por el estilo, pero es una experiencia que tiene que realizarla cuando puedan, después de todo es por algo considerada para muchos la mejor película de todos los tiempos.

Ficha técnica

-Director: Alfred Hitchcock

-Productor: Alfred Hitchcock

-Guión: Alec Coppel/Samuel Taylor

-Música: Bernard Hermann

-Fotografía: Robert Burks

-Edición: George Tomasini

-Duración: 128 minutos

-Género: Suspenso/Cine Noir/Thriller

-Distribución: Paramount Pictures

-Presupuesto: US$ 2.400.000

-Recaudación: US$ 14.000.000

-Reparto

·         James Stewart (John "Scottie" Ferguson)

·         Kim Novak (Madeleine Elster / Judy Barton)

·         Barbara Bel Geddes (Midge Madera)

·         Tom Helmore (Gavin Elster)

·         Henry Jones (Forense)

·         Ellen Corby (Gerente del Hotel McKittrick)

·         Konstantin Shayne (Dueño de la librería Pop Leibel)

·         Raymond Bailey (Médico de Scottie)

·         Margaret Brayton (Vendedora de Ransohoff)

·         Fred Graham (Policía compañero de Scottie que cae de la azotea)

·         Paul Bryar (Capitán Hansen)

·         Alfred Hitchcock (Cameo)